“Las decisiones las tomo escuchando, no mirando una pantalla”

 

 

Eduardo Bergallo, es un reconocido ingeniero y pionero de la masterización en Argentina. Dirige los estudios Revolver y Puro Mastering, referencias obligadas para la mezcla y el mastering profesional en este rincón del mundo. Las ideas que dominan la industria de la grabación, el rol de los productores, la ausencia de managers y cazatalentos y la formación de nuevos profesionales son algunos de los temas que desfilaron en la entrevista que a continuación presentamos.

Antes de empezar la nota, cuando te dije que ahora parece fácil grabar con la compu, me dijiste “de eso quiero hablar”. Cuando recibo las llamadas de amigos músicos que me preguntan qué sistema comprar, yo digo “no te compres nada, comprate una portaestudio o un contestador telefónico y grabá ahí” [risas]. De verdad, conozco mucha gente que tira ideas en el contestador porque tiene un sistema simple y rápido que rescata lo que está pasando en ese momento. La compu es otra situación, otro viaje, te puede llevar por caminos que te alejan al toque de la idea artística. Hay que tener mucha concentración o ser muy metódico, porque pasa que [los músicos] se distraen con sonidos, con softwares que no andan, archivos que se pierden. En gran parte es un obstáculo del momento en que el artista hace la transición hacia la tecnología. Por eso yo siempre digo, dedicate a la música, dedicar esa energía y ese tiempo a componer o al instrumento. Y asociate con un técnico que se encargue de esas cosas y el artista que se encargue de lo musical. Hay muchas duplas mundiales donde uno se encarga de una cosa y el otro de otra.

Pero hubo o hay una creencia de que la tecnología nos hace autosuficientes. Pero eso no quiere decir que llegues al mismo resultado que de la otra manera. Lo podés hacer todo vos -antes también ya se podía hacer- pero son pocos los casos donde la cosa funciona. El problema empieza cuando la herramienta en lugar de brindar facilidades pasa a ser un obstáculo. Pero sobre todo porque esta herramienta es otra, distinta.

¿Cuáles son para vos las razones de esta tendencia de pensar que se puede hacer todo solo? Económicas, exclusivamente. En estos momentos la música está pasando por una crisis a la que se llegó por cuestiones económicas. Un sistema de grabación hoy es mucho más barato que lo que costaba antes. Un grabador bueno de 24 canales valía entre 50 y 80 mil dólares, hoy con esa plata te podés comprar todo el estudio. Ahora, ¿es mejor? ¿los sistemas digitales de ahora son mejores que los de unos años atrás? Pensemos en el nacimiento de la era digital, bien al principio, los convertidores eran feos, la música sonaba más dura, y nos quisieron vender que sonaba mejor, que el digital era la posta y no fue así. Más allá del debate sobre qué es mejor y qué es peor, yo pienso que el lugar adonde te lleva la herramienta es un lugar poco musical, es decir, son pocos los tipos que pueden usarla sin que les perjudique el resultado final. Lo peor es la adrenalina que estos sistemas le quitaron a la grabación y el tema de poder llevar esa grabación a una mezcla tan perfecta, termina sacándole mucho de los atributos que tiene naturalmente la música.

¿A veces dejás “errores” en la mezcla, alguna respiración, alguna bordoneada de cuerda? Claro, porque es lo que ya no pasa, es tan perfecto todo ahora que hasta no tiene rasgos. Está bueno que se noten los rasgos del artista y la herramienta en la mezcla. Mientras sean musicales yo los dejo, no me interesa pulir por pulir. Mi aproximación a la mezcla es solamente auditiva, la computadora está para hacer play, pero las decisiones de planos y ecualización las tomo escuchando, no mirando una pantalla.

No mirás la pantalla para ver cómo pica la señal. No, porque la inducción que tiene lo visual sobre lo auditivo es tremenda. Te muestro una cosa y te ecualizo en la pantalla y decís “guau“ y capaz que no le estoy haciendo nada. Me pasó con gente conocida. Igual que los nombres de los efectos, te predisponen a escucharlo de una manera determinada.

Además, ¿quién impone esos parámetros, sobre cómo debe sonar cada cosa? No es que algo debe sonar de tal modo sino que son objetivos que vos podés cumplir. Por ejemplo: “al estribillo uno le subí 3 db, entonces al estribillo dos también”. Y no, porque pasan otras cosas, subilo porque lo sentís, para eso hay que tener un fader que musicalmente te haga poner las cosas en un plan. Últimamente lo que se dice de muchos discos es que suenan bien, pero de la música nadie habla. Te pasás horas y horas, arreglás y reemplazás bombos, tambores y yo qué sé y finalmente lo dejás sonando bien, con impacto y volumen, pero de emociones transmitidas hay muy poco. Y esa metodología, insisto, te aleja de eso, tiene muy poca sangre.

 
¿Cuáles son los errores más comunes que aparecen cuando te llega un master para mezclar? Los más notables están en la producción: la sobre-producción o a veces la falta de producción. Lo que hacemos es readministrar esos materiales y hacer ese tipo de mezcla que tiene que ver con la producción, re-arreglar una canción, cambiar el orden de algunas cosas, sacar o sugerir algo, lo cual a veces quiere decir grabar algo más (que lo hacemos acá mismo, mientras no sea una batería…). Luego viene la calidad de la grabación, que al estar hecha en ambientes hogareños inevitablemente la acústica se escucha, lo que se escucha en verdad es la no-acústica. Entonces empezás a comprimir voces y se escucha la resonancia de los cuartos, y la voz que está en una habitación suena muy diferente a la que escuchás en un disco grabado en un estudio, seca y perfectamente recortada. Esas son las dos cosas más graves. También vienen mezclas con miles de canales, que te lleva mucho tiempo entender qué es lo que la canción necesita para que funcione. Y las cosas mal tocadas son un error de producción también. Pero cuando viene algo que está bien grabado y bien tocado, ya está, suena solo.

¿Con qué criterio elegiste las cajas para el estudio de mastering y para el de mezcla? [Nota: Puro Mastering está equipado con monitores ATC 150 ASL Pro; Revolver cuenta con Yamaha NS10M de campo cercano y Westlake BBSM12 como mains.]. Una pregunta muy importante. Cuando estás mezclando todavía estás en una etapa de producción. Entonces, lo correcto, para mi, es usar parlantes de producción, parlantes que te ayudan a llegar a un resultado determinado. Por lo general acá mezclamos rock y pop, entonces lo que nos sirve es una herramienta que nos conduzca más rápidamente a ese lugar. Por ejemplo, en el rock conviven mucha y constante información en medios, y que compiten entre sí. Entonces está buenísimo poder escuchar eso muy bien, con una gran lupa. No tienen que ser parlantes de alta fidelidad, teóricamente eso ya se usó al momento de grabar. Ahora, en el mastering uso parlantes de reproducción porque no se está produciendo, se está cuantificando, calificando, entonces se necesita otro tipo de monitor. Los dos me gustan y los dos suenan extremadamente bien, pero los de mezcla me fuerzan a un resultado más musical para el estilo que yo hago. Son meras herramientas, pero muy importantes.

¿No te parece que hay muchas carreras de ingeniería de sonido y muy pocas de producción musical? Hay algunas, pero el problema mayor es que vos no podés ir a una escuela de carpintería y salir haciendo un mueble con todo lo que tiene que tener. Vas a saber usar las herramientas, pero el oficio lo adquirís con el tiempo y lamentablemente están desapareciendo los lugares donde formarse. Yo tuve la suerte de trabajar en un estudio donde veía trabajar a ingenieros, veía situaciones y hacía mi propia experiencia sin tener el riesgo de equivocarme. Luego tuve la experiencia de equivocarme pero todo eso me llevó un montón de años. Así fue toda la vida en la historia de la grabación: empezabas sirviendo el té, luego como asistente, etc. Hoy un pibe hace un curso muy bueno de grabación y producción pero le falta encontrarse con un montón de situaciones que van a formar su carrera. Nosotros en los dos estudios tratamos de mantener esa situación de escuela, todos los ingenieros de mastering fueron asistentes y se morfaron sus tres años de asistentes, que son duros, hasta que llegan a saber de taquito qué es lo que hay que hacer. Y lo mismo en el estudio de mezcla. Siendo asistente ves como otro acierta y se equivoca y vas formando tu propio criterio. Se sigue aprendiendo siempre.

Se cortó mucho la cadena… Y otra cosa que se cortó es el tema del managment. En los ’80 estaba Ohanian, Abraxas, etc y de ahí salieron un montón de tipos. Pero al no haber más esas agencias donde se formaban managers desapareció cómo sostener la parte de conducción de los artistas. El mayor problema de las bandas que vienen acá es que no tienen manager. Y yo les digo que deben tener un manager. Tienen que aprovechar este momento en que cambió todo y está la oportunidad de relacionarse con gente que está más cerca que antes. Antes los gerentes de marketing de las empresas eran tipos que no entendían muy bien tu lenguaje. Hoy están manejadas por pibes jóvenes que escuchan la misma música. Pero ese acercamiento no lo puede hacer el artista, se necesita un manager.

¿Y qué pasa con los productores? Y hoy hay muchos productores que lo que saben es cómo lograr hacer un disco en la compu, pero para mí eso dista bastante de lo que es ser productor de un álbum… yo sé lo que hacía un productor.

Qué hacía, recordémoslo. Todo. Estaba muy encima de todo desde la pre-producción. Ahora trabajan en la post-producción, son como grandes manejadores del software, pero hay otras maneras: dónde vamos a grabar, con quién, qué alquilamos, un arreglador, llevar la sesión de un modo musical y que sirva para el disco. No estoy criticando pero es otro tipo de productor. Hay que ver si podría hacer las cosas de otro modo, no es simple manejar una banda de rock en un estudio, hay que grabar eso, no equivocarse y estar a la velocidad que te pide la banda. Eso tenía una demanda y generaba una adrenalina que colaboraban a la cosa energética de la música. El disco es, o era, una foto que queda grabada y esa energía se traslada. La posibilidad de manipular todo de estos tiempos distorsiona esa energía y se transforma en una cosa quieta donde no pasa nada.

¿Algo por decir para terminar? Una cosa muy importante que, entiendo, debería revertirse: hace unos años cuando estabas en un estudio de verdad se pensaba que, para ahorrar, podías hacer ciertas etapas en un estudio más barato o en un home-studio. Hoy veo bandas que pasan muchísimas horas en un estudio mediocre y terminan gastando lo mismo que gastarían en tres o cuatro días en un estudio profesional. Sin dudas, mi elección sería: mucho ensayo y pre-producción y a grabar bien en un estudio de verdad, con un ingeniero de verdad. Resultado: mucho mejor audio, más frescura y revelación de la identidad del artista.

Entrevista relizada por Iris Etcheverry para la revista Rec or Play.

 

“I take decisions by listening, not staring at a screen” 
  

 

 
Eduardo Bergallo, renowned engineer and pioneer of mastering in Argentina. Conducts studies and Puro Mastering Revolver, references required for professional mixing and mastering in this corner of the world. The ideas that dominate the recording industry, the role of producers, lack of managers and scouts and training of new professionals are some of the issues filed in the interview that we present below. 

Before starting the note, when I said that now seems easy to record with the compu, I said “I want to talk about it.” When I receive calls from musician friends who ask me what system to buy, I say “do not buy anything, buy yourself a portaestudio or answering phones and listened to there” [laughs]. Really, I know many people who pulls ideas on his answering machine because it has a simple and quick system that rescues what is happening at that time. The compu is another situation, another journey by road can take you away when you touch the artistic idea. It should be a lot of concentration or being very methodical, because it happens that [the musicians] are distracted by sounds, with software that does not walk, files are lost. In much of an obstacle when the artist makes the transition to technology. That’s why I always say, dedicate to music, spend that energy and the time to compose or to the instrument. And associativity with a technician to take care of those things and the artist to take charge of the musical. There are many global pairs where one is responsible for one thing and one another.

But there was or is a belief that technology makes us self-sufficient. But that does not mean you get the same result as the other way. What you can do before you, “and also could be done-but few cases where it works. The problem begins when the tool instead of providing facilities becomes an obstacle. But mostly because this tool is another, different.

What are for you the reasons for this trend of thinking that everything can be done alone? Economics, exclusively. At this time the music is going through a crisis that it was for economic reasons. A recording system today is much cheaper than what it cost before. A good recording of 24 channels worth between 50 and 80 thousand dollars today with that money you can buy the entire studio. Now, is it better? “Digital systems today are better than few years ago? Consider the birth of the digital age, well at first, the converters were ugly, the music was harder, and we wanted to sell it sounded better than the digital era and the post did not. Beyond the debate about what is best and what’s worse, I think the place where the tool takes you is a little music, ie, few types that can use it without being detrimental to the outcome. What’s worse is that these systems adrenaline took away from the recording and the theme of this recording can carry a mix so perfect ending sacándole many of the attributes that are naturally the music.

Do you sometimes leave it “errors” in the mix, some breathing, some Bordonada of string? Sure, it is no longer what happens, everything is so perfect that even now has no traits. It is good to notice the traits of the artist and the tool in the mix. While I am leaving to be musical, I want to polish polish. My approach to the mix is only hearing the computer is to play, but the decisions of the volume levels and equalization listening, not staring at a screen.

Do not you look at the screen to see how the signal itch. No, because the induction is the visual over the auditory is tremendous. I show you one thing and matched in the screen and say “wow” and I’m not able to do nothing. It happened with people you know. Like the names of effects, predispose you to listen in a certain way.

Besides, who imposes these parameters, how everything should sound? Not that something should sound so they are goals that you can meet you. For example: “the chorus one would up 3 db, then the chorus two, too.” And no, they pass other things, upload it because you feel it, for that you need to have a fader that musically makes you put things in a plan. Lately what is said of many discs is that they sound good, but nobody talks about music. You spend hours and hours, arrangements and replace pumps, drums and I do not know and then leave it sounding good, with impact and volume, but there is very little emotion transmitted. And that methodology, again, takes you away from that, it has very little blood.

 
What are the most common errors that appear when you get an master to mix? Most notable are in production: the over-production or sometimes the lack of production. What we do is readministered such materials and doing such a mixture that has to do with the production, re-arrange a song, change the order of some things, take or suggest something, which sometimes means more record (which we do right here, while a battery is not …). Then comes the recording quality, that being made in home environments inevitably sound is heard, what you hear is truly non-acoustic. Then you start to compress voice and hear the resonance of the quarter, and the voice is in a room that sounds very different from what you hear on a disc recorded in a studio, dry and perfectly trimmed. Those are the two things most serious. They also come mixed with thousands of channels, it takes you long to figure out what the song needs to work. And things are bad played a production error, too. But when it comes something that is well recorded and well played, already sounds alone.

What criteria did you choose the boxes to the mastering studio and for mixing? [Note: Puro Mastering is equipped with monitors ATC 150 ASL Pro; Revolver has NS10M Yamaha near-field and Westlake BBSM12 as mains.]. A very important question. When you’re mixing you’re still in a stage production. So the right thing for me is to use output speakers, speakers that help you reach a certain result. Usually we mix rock and pop here, then what is a tool helps us to lead us more quickly there. For example, many live rock and constant media information, and competing. Then it is terrific to hear that well, with a large magnifying glass. There must be high-fidelity speakers, theoretically it has already been used at the time of recording. Now, in the mastering speakers use reproduction because it is occurring, is quantifying, qualifying, so you need another type of monitor. The two I like and the two sounds extremely well, but I am forced to mix a more musical style I do. They are merely tools, but very important.

Do not you think that there are many careers in sound engineering and music production too few? There are some, but the real problem is that you you can not go to a school of carpentry and furniture making out with everything that has to have. You will know how to use the tools, but the job eventually, learn it and unfortunately the places are disappearing form. I was lucky to work in a studio where engineers work saw, saw situations and did my own experience without the risk of being wrong. Then I had the experience of being wrong but all this took me a lot of years. That was life in the history of recording: You started serving tea, then as an assistant, and so on. Today a kid makes a very good course recording and production but lacks meet a lot of situations going to make his career. We in the two studies tried to keep the situation of school, all mastering engineers were in attendance and their three-year morfar assistants who are hard, until they know what taquito do. And the same in the mixing studio. As assistant look like another is right and wrong and you form your own discretion. It is always learning.

Chain was cut much … And another thing that was cut is the topic of Management. In the 80 was Ohanian, Abraxas, etc and then came a bunch of guys. But the absence of more such agencies where managers were gone how to hold the driving of the artists. The biggest problem of the bands that come here is they have no manager. And I tell them they must have a manager. They must seize this moment that changed everything and is an opportunity to interact with people who are closer than before. Before marketing managers of enterprises were guys who did not understand your language very well. Today are run by young kids who hear the same music. But that approach can not do the artist, you need a manager.

And what about producers? And today there are many producers that they know is how to make a record in the compu, but for me it is far from what is a producer of an album … I know what a producer did.

What was he doing, remember. All. He was very up everything from pre-production. Now working in post-production, are as large software drivers, but there are other ways where we will record, with whom, what rent, an arranger, lead a session of a musical mode and used to the disc. I am not criticizing but is another type of producer. Must see if I could do things differently, not just manage a rock band in a studio record that must not be mistaken and the speed that the band calls. That was a demand and generated an adrenaline thing that collaborated on the energy of music. The record is, or was, a picture that is recorded and that energy is transferred. The ability to manipulate all of these times distorts and transforms that energy into something quiet where nothing happens.

Anything to say to end? One very important thing which I believe should be reversed: some years ago when you were in a study of truth is thought to save, you could do certain stages in a study or a cheaper home-studio. Today I see bands who spend many hours in a mediocre study and end up spending the same would spend three or four days in a professional studio. Without doubt, my choice would be: a lot of trial and pre-production and recording it in a real studio with a real engineer. Result: much better audio, more freshness and disclosure of the identity of the artist.

Interview: Iris Etcheverry for magazine Rec or Play